Com reboot inesperado, Paramore celebra toda sua positividade no novo álbum “After Laughter”

É comum a toda e qualquer pessoa encontrar um momento na vida em que repaginar o visual revela-se algo necessário não apenas para a autoestima e o bem-estar, mas também para a autodescoberta de uma nova identidade. E quando esses indivíduos, em especial, trabalham com o meio artístico, é bem provável que a busca por caminhos até então inexplorados reflita direta ou indiretamente naquilo em que estão habituados a produzir, e isso não é segredo para ninguém. Seja por meio de gêneros do cinema e da TV muitas vezes intocados pela filmografia de nossos atores favoritos, essa mudança repentina de ares não poderia ser diferente e também persegue alguns dos profissionais mais populares da indústria fonográfica – e, felizmente, nos rende alguns lançamentos memoráveis que são recebidos de braços bem abertos por nossas bibliotecas musicais.

Os integrantes do Paramore em photoshoot para a revista “DIY” (foto por: Pooneh Ghana; edição: maio/17)

E, por óbvio, o Paramore jamais seria uma exceção à esta regra quase que sagrada. Após nos conquistar com “Ain’t It Fun”, a vencedora do “Grammy 2015” de “Melhor Canção Rock”, lá do álbum homônimo “Paramore” (2013), finalmente chegou o momento do trio comandado por Hayley Williams nos deixar ouvir o que aprontou nos estúdios de gravação por estes últimos quatro anos. Liberado oficialmente há menos de uma semana (12/05) – poucos dias após vazar na internet, é claro –, “After Laughter” mal saiu do forno e já tem conquistado tanto a crítica especializada quanto o público em geral. Liderado pelo carro-chefe “Hard Times” (#90 no “Hot 100” da Billboard norte-americana), o 5º disco de inéditas do Paramore é atualmente promovido por “Told You So”, a faixa super oitentista que recebeu, recentemente, um clipe totalmente vintage e recheado de referências à moda daquela época (não deixe de assistir).

Distribuído sob o selo da “Fueled by Ramen”, “After Laughter” vai direto ao ponto e, sem qualquer enrolação, nos apresenta à breves (e incríveis) 12 novas faixas, todas produzidas por Taylor York (o guitarrista da banda) e Justin Meldal-Johnsen (que já havia trabalhado anteriormente em “Paramore”). Recebendo as composições de Hayley Williams, Zac Farro (que desde o começo de 2017 voltou para a formação), Aaron Weiss (vocalista do MewithoutYou) e York, o novíssimo trabalho inspira-se bastante no new wave dos anos 80 e ainda navega pelos sempre bem-vindos pop rock e synth-pop – gêneros que já haviam marcado presença em hits passados dos álbuns “All We Know Is Falling” (2005), “Riot!” (2007), “Brand New Eyes” (2009) e “Paramore” (2013).

Demonstrando todo o simbolismo que se esconde atrás desta experiência inédita que tem transbordado positividade para todos os cantos, Williams revelou recentemente que “After Laughter” tem sido “(…) um grande passo para nós como banda e é definitivamente um novo som. Nós estamos muito orgulhosos disso. Eu sinto que [que o álbum] realmente reflete quem nós somos agora”. Contudo, você pode até já ter ouvido as novas músicas do grupo e espalhado as boas novas por aí, mas provavelmente está se questionando sobre o real significado deste título tão curioso. “After Laughter é sobre o olhar no rosto das pessoas quando elas terminam de rir. Se você olhar alguém por tempo suficiente, sempre verá aquele olhar que vem em seu rosto quando para de sorrir, e eu sempre achei isso muito fascinante, imaginar o que a trouxe de volta à realidade”.

Exaustão, depressão e ansiedade são apenas alguns dos muitos temas abordados liricamente pelo “After Laughter”

Dando-nos um gostinho de tudo que vem pela frente, “After Laughter” tenta nos conquistar com a supremacia de seu alto-astral e já abre os trabalhos com a queridinha “Hard Times”, a primogênita que inicia a tracklist do 5º disco de inéditas da banda. Totalmente contagiante e com uma pegada chiclete que é típica do pop e dance lá da década de 80, o lead-single possui uma estrutura bastante simples que, em questão de segundos, entrará na sua cabeça para não sair pelo restante da semana (pelo menos). Não muito diferente, este é o caminho reafirmado por “Rose-Colored Boy” e “Told You So”, estas duas supermodernas faixas dançantes que parecem ter sido retiradas (e restauradas) de um badalado clube noturno nova-iorquino de 30 anos atrás.

Deixando a ambientação um pouco mais suave, “Forgiveness” e “Fake Happy” abrem o segundo arco do álbum, este responsável por harmonizar a sonoridade trabalhada até aqui e trazer um equilíbrio mais do que convidativo – antes, é claro, de nos encaminhar para o ápice de sua fragilidade com a intimista “26”, o verdadeiro coração de “After Laughter”. Bem crua e guiada pelas cordas de um violão poderoso que acentuam toda a honestidade da voz de Hayley Williams, a balada é comovente o suficiente para não desapontar, obviamente.

Recuperando a energia gradativamente, “Pool” cresce em nossos ouvidos e, sem muita cerimônia, revela-se uma das melhores gravações do material (e, por que não, do próprio catálogo do Paramore). Instintivamente apaixonante, a 7ª canção chega ao seu fim após nos cativar com uma inocência estrondosa que deságua na tão boa quanto “Grudges” – a qual foi memoravelmente comparada, pela crítica gringa, ao trabalho de outros grandes artistas, como o The Cure e The Bangles. Assim, chegamos a “Caught in the Middle”, que mesmo sem perder a energia inicial de “After Laughter”, fraqueja discretamente e dá indícios de que precisamos de uma nova lufada de ar fresco antes de prosseguir.

O clipe de “Hard Times” foi dirigido por Andrew Joffe (o mesmo de “Our Own House” e “Reflections”, do MisterWives)

Este novo fôlego, felizmente, nos é proporcionado pela independente “Idle Worship”, a gravação perfeita (e mais do que bem-vinda) para nos preparar para o adeus inadiável. Após abrir lugar para a brilhante “No Friend”, a única música com dedo de Aaron Weiss na composição (pasmem, é a primeira do Paramore a não apresentar vocais de Hayley Williams), não nos resta outra saída senão abraçar a melancolia imensurável de “Tell Me How” e, já com o coração na mão, aceitar a saudade e nos despedir do que se mostrou, até agora, o melhor disco internacional do ano. Como uma festa retrô carregada de boas vibrações que infelizmente chega ao seu triste fim, “After Laughter” enche o nosso peito com aquela maravilhosa sensação de “dever cumprido” que somente uma banda do patamar do Paramore seria capaz.

Por alguma razão desconhecida e bastante enigmática, esta é a primeira vez em um considerável espaço de tempo que temos o prazer de ouvir um artista das antigas (não nos esquecendo que o Paramore já está com 13 anos de estrada) soar tão revigorante para os atuais padrões do mercado fonográfico. De alguma forma quase que sobrenatural, “After Laughter” chega em nossas mãos como um saudoso reboot de tudo que já ouvimos desde o lançamento de “All We Know Is Falling”, o disco de estreia dos estadunidenses. Sem qualquer sombra de dúvidas, Williams, York e Farro souberam como amadurecer o seu som sem perder a boa mão para a música – e, assim, reinventar um dos nomes mais prestigiados do cenário musical sem o uso de falsos artifícios ou modismos escrachados. Ainda é o Paramore e ainda soa como o Paramore, apesar de não podermos esconder o fato de que esta mudança repentina de ares, apesar de nos ter pego de surpresa, fez um bem danado para os nossos ouvidos.

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Despindo-se de todo o glamour, Lady Gaga assume nova persona e irradia autenticidade em “Joanne”

Seria 2016 o grande ano de retorno das mais bem-sucedidas estrelas femininas da música pop da década passada? Depois de Rihanna, Beyoncé, Gwen Stefani e Britney Spears voltarem à ativa após intermináveis hiatos sem novos materiais na estrada, finalmente é chegado o momento da maior hitmaker de 2008 tomar as rédeas do cenário fonográfico atual e protagonizar um comeback recheado com muita originalidade, ousadia e reconhecimento: sim, estamos nos referindo à Lady Gaga. Dividindo a opinião das massas com um primeiro single que parece não ter atendido às expectativas do público majoritário (relembre nossa resenha para “Perfect Illusion”), a incomparável “Mother Monster” preferiu deixar as bizarrices de lado e surge, agora, com o que aparenta ser o trabalho mais cru de seu catálogo tão extravagante. Venha com a gente conhecer um pouco mais sobre o “Joanne”!

Lady Gaga em ensaio fotográfico para o “iHeartRadio” (foto por Katherine Tyler)

Desde que “ARTPOP” (2013) fora anunciado como o “álbum do milênio” e deixara muito a desejar no quesito inovação, Lady Gaga não pensou duas vezes antes de tirar longas férias do mercado mainstream e se aventurar por outros ramos de sua carreira tão multifacetada. Indo para o jazz e apostando como atriz em “American Horror Story: Hotel” (projeto que lhe rendeu uma vitória no “Globo de Ouro” deste ano), a norte-americana só foi revelar planos de voltar para o pop em setembro, quando confirmou a chegada de um novo single que seria lançado no dia 9 daquele mês. Levando seus seguidores à loucura e chocando muitos que não esperavam por uma sonoridade tão distinta, foi após muita espera que a loira pôs um fim ao sofrimento de seus little monsters e liberou, na íntegra, o disco “Joanne” no último 21 de outubro.

Distribuído sob os selos da “Interscope Records” e “Streamline”, o aguardadíssimo “LG5” (como era popularmente chamado o trabalho pelos fãs) não fez feio nos charts e, seguindo “Born This Way” (2011), “ARTPOP” (2013) e “Cheek to Cheek” (2014), estreou diretamente no topo da “Billboard 200”, a principal parada de álbuns dos EUA. Comercializando impressionantes 201 mil cópias apenas na primeira semana, o novo disco saiu-se melhor que o esperado e rendeu à Gaga um novo recorde para a sua imensa lista de feitos incomparáveis: tornar-se a mulher com mais álbuns em #1 nesta década. Atingindo o #1 no iTunes de mais de 60 países, “Joanne” é atualmente promovido por “Million Reasons”, o segundo single oficial escolhido para substituir a agora promocional “A-Yo”. Deixando a EDM para segundo plano e orientando-se predominantemente pelo bom e velho pop, outros gêneros bastante explorados pela musicista nesta nova era têm sido o soft rock, dance-pop, country e folk.

O visual da cantora está bem mais simples e limpo na era “Joanne”

Com 11 faixas na edição standard, 14 na deluxe e 15 na deluxe japonesa, “Joanne” foca muito em sua intérprete e traz apenas uma colaboração especial em sua tracklist: com a Florence Welch, do Florence + the Machine. Abarcando um renomado time de produtores requisitadíssimos, os nomes envolvidos no projeto vão desde o já conhecido Mark Ronson (“Rehab”, Amy Winehouse) e passam por Jeff Bhasker (“Free”, Natalia Kills), BloodPop (“Drum”, MØ), Emile Haynie (“Summmertime Sadness”, Lana Del Rey), Josh Homme (vocalista do Queens of the Stone Age), Kevin Parker (vocalista do Tame Impala) e RedOne (“Poker Face”, “Bad Romance”). Atuando como coprodutora e compositora em todas as canções, Gaga foi auxiliada liricamente não só pelos demais produtores como também pelos bem experientes Hillary Lindsey (“When I Look at You”, Miley Cyrus), Beck (vencedor do “Álbum do Ano” no Grammy de 2015), Joshua Tillman (“Hold Up”, Beyoncé) e Thomas Brenneck (guitarrista do Menahan Street Band).

Já começando com o pé direito ao nos introduzir à brilhante “Diamond Heart”, o lançamento ganha forma de maneira rápida e precisa quando a faixa de abertura resolve nos dar uma pequena prévia do que o “Joanne” soa em sua totalidade. Chegando de mansinho com uma composição bem autoral e explosiva que revela um pouquinho sobre o passado difícil de Gaga, a loira nunca soou tão honesta ao assumir que “não é perfeita”, mas, considerar que “tem um coração de diamante”. Abrindo espaço para “A-Yo”, o country ganha vida da melhor maneira possível enquanto a musicista canta sobre sexo em uma batida levemente inspirada no hit desperdiçado “MANiCURE”. Outras faixas que tomam por referência o gênero sulista e que também se sobressaem por fugir da zona de conforto de Gaga são “Sinner’s Prayer” e “Million Reasons”.

Saindo da zona de conforto, a música eletrônica acabou sendo deixada de lado para que Gaga pudesse explorar novos gêneros como o country, soft rock e disco-rock

Chegando para apaziguar o mix de gêneros e nos preparar para o arco mais alto astral composto por “John Wayne”, “Dancin’ in Circles” e “Perfect Illusion”, a balada que dá nome ao disco é do início ao fim movida por uma simplicidade intangível. Bastante acústica e ressaltando o conceito por trás do sucessor de “Cheek to Cheek” (2014), em recente entrevista concedida à “Rolling Stone” Gaga revelou que sua intenção era “unir pessoas que não se conhecem e que talvez se sintam estranhas, mas que de alguma forma possam se conectar por meio da música”. Dando destaque exclusivo para sua família – principalmente para uma tia de nome Joanne, que faleceu nos anos 70, vítima de lúpus (doença que também assola a cantora) –, em “Joanne” a moça se despe de todas as extravagâncias do passado para enaltecer aquilo que muitos se negaram a ver desde o início da sua carreira: a presença de uma voz muito, muito marcante.

Combinando sonoridades e instrumentos em “John Wayne” (canção que homenageia o ator de mesmo nome), explorando um pouco de dance, reggae e ska na safadinha “Dancin’ in Circles” e trazendo o disco-rock já familiar de “Perfect Illusion”, “Joanne” suaviza consideravelmente enquanto caminha para seu triste fim. Citando inúmeras referências bíblicas na maravilhosa “Come to Mama”, Gaga não poupa esforços em mais uma vez passar sua mensagem de apoio às minorias sociais e reforçar aquilo que todos já devem ter ouvido pelo menos uma vez na vida: “todos temos que amar uns aos outros”. É nessa mesma vibe de afeto e união que “Hey Girl” (o featuring com a Florence Welch) desabrocha instintivamente, certeira por casar tão bem os vocais de duas das melhores cantoras da atualidade e por explorar um verdadeiro hino de empoderamento feminino. Impossível não recordar os velhos tempos de “The Fame” com uma sonoridade dessas (e que também foi experimentada na bônus “Just Another Day”), especialmente por causa de “Brown Eyes”, “Summerboy” e “Again Again”.

Lady Gaga em apresentação de “A-Yo” na “Dive Bar Tour” (série de shows que tem realizado em bares norte-americanos)

De maneira demasiadamente melódica, acústica e tocante, “Angel Down” e “Grigio Girls” dividem nossa opinião e nos deixam ora de braços estendidos, ora apreensivos. Exaltando um poderio vocal que há muito tem sido explorado sabiamente pela vocalista, ambas exploram o melhor do timbre de Gaga sem trazer nenhuma grande inovação, afastando-se um pouco do que foi pretendido pelo restante da tracklist e não soando de todo necessário. Inevitavelmente, este também é o caminho traçado por “Angel Down (Work Tape)”, a aguardadíssima colaboração com o RedOne que, ao final das contas, muito prometeu e nada mais foi do que uma perfeita ilusão (quem esperava por um grande hit mainstream a lá “Bad Romance” com certeza ficou e continua bastante chateado).

Conhecida por construir e desconstruir sua imagem a cada era com uma versatilidade inquestionável, Lady Gaga mais uma vez nos surpreende por aproveitar todas as oportunidades para fugir do mercado comum e estabelecer um padrão imprevisível para seus lançamentos musicais. Depois de conquistar o público com seus hits dançantes, nos impressionar com uma obscuridade nunca vista antes e chocar a todos com figurinos dignos de um autêntico conto de fadas fashionista, a eterna intérprete de “Just Dance” surge em pleno 2016 para renovar os seus votos de artista completa que não se deixa ser vencida tão facilmente. Experimentando de tudo um pouco e dando sua voz e suor para a concretização de trabalhos primorosos que jamais serão esquecidos pelo público, Stefani Joanne Angelina Germanotta é certamente um nome que surgiu para botar ordem na atual indústria fonográfica e revolucionar alguns conceitos que há muito precisavam ser revistos por alguém tão competente. Seja bem-vinda de volta, Joanne, nós sentimos a sua falta!

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#CoopGeeks: O terror em oito patas – “A Colônia”, de Ezekiel Boone

Mesmo antes de “The Walking Dead” ganhar a indústria das HQs no começo dos anos 2000 e “Resident Evil” estrear para PSOne no meio da década de 90, muito se falava, no âmbito da ficção científica, sobre a chegada de uma era pré-apocalíptica não muito distante. Já acostumados à ideia de um terrível ataque zumbi ou de uma decisiva batalha religiosa envolvendo Deus e o Diabo, não há dúvidas de que recebemos, nos últimos anos, inúmeras novidades que abordaram este tema e conquistaram tanto a TV (“The Strain”, “IZombie”) como o cinema (“Constantine”, “Zumbilândia”).

Entretanto, poucas foram as obras que decidiram inovar radicalmente, e se você, caro leitor, esteve procurando por algo que fosse capaz de tirar o seu fôlego – e, simultaneamente, lhe deixar todo arrepiado –, talvez esta resenha seja a resposta que tanto esperava. Combinando ficção estrangeira com suspense e um pouquinho de romance, você encontrará em “A Colônia”, do novato Ezekiel Boone, diversos motivos que desconstruirão essa mesmice que há muito nos persegue e descobrirá, em uma linguagem bem adulta, os segredos que circundam a sua trama do início ao fim.

O TERROR EM OITO PATAS: A COLÔNIA, DE EZEKIEL BOONE

Repleto de sensibilidade, Shawn Mendes está mais acústico do que de costume no novo “Illuminate”

Não faz nem um ano desde que decidimos escrever, pela primeira vez, um pouquinho mais sobre a trajetória de Shawn Mendes, o novato que tem feito o maior sucesso nas rádios e paradas musicais de todo o mundo (relembre). Após liberar seu primeiro disco de inéditas (o “Handwritten”, de 2015) e dominar o top 10 da “Billboard Hot 100” com o hit “Stitches” (#4), o jovem canadense que adquiriu notoriedade depois de bombar no aplicativo Vine consegue, hoje, tocar sua vida adiante sem depender das diversas gravações caseiras que o levaram ao estrelato.

Deixando os covers de lado e redirecionando todas suas energias para a própria discografia, Shawn sabe que é chegado o momento de dar continuidade à sua brilhante história e já prepara o terreno para aquilo que o futuro lhe reserva. E foi assim, de mansinho, que fomos surpreendidos no mês passado com “Illuminate”, o 2º material de estúdio de Mendes que não poderia passar despercebido em nosso blog sem uma resenha mais do que especial. Assim, e sem mais blá-blá-blá, você confere, a seguir, nossos principais apontamentos sobre esse lançamento tão aguardado que chegou na melhor hora possível para todos aqueles que mal podiam esperar por um novo trabalho do cantor!

Shawn Mendes em ensaio fotográfico para a revista “Notion” (2016)

Que o “Handwritten” acabou por cair nas graças do público isso não é novidade para ninguém – tanto que, além de debutar em #1, com vendas de 119 mil cópias na first week, até chegou a integrar a nossa lista com os meus 10 discos favoritos de 2015, em #6. Rendendo 4 singles de sucesso que deram grande suporte para as turnês “Shawn’s First Headlines” e “Shawn Mendes World Tour” (esta última, inclusive, ainda na ativa), o primeiro álbum do garoto prodígio de apenas 18 anos não falhou comercialmente e chegou a ser certificado ouro e platina em diversos países do globo, como Brasil, México, Reino Unido e EUA. Todavia, nem tudo dura para sempre e, após encerrar o projeto com o featuring “I Know What You Did Last Summer”, com a Camila Cabello (do Fifth Harmony), finalmente chegou o momento de Shawn respirar novos ares e nos entregar algumas novidades que mexeram com todas as nossas estruturas.

Liberando o carro-chefe “Treat You Better” no último 3 de junho, o canadense acertou em cheio ao selecionar sua parceria com os compositores Teddy Geiger e Scott Harris para representar a primeira música de trabalho do “Illuminate”. Sucesso instantâneo que atingiu o #6 no “Hot 100” da “Billboard”, a canção segue a linha mais pop de “Stitches” e ganha o ouvinte por utilizar-se da mesma estrutura anteriormente experimentada no 3º single do disco iniciante (estrofes lentas que gradativamente culminam em um refrão explosivo). Trazendo um emocionante clipe dirigido por Ryan Pallotta (“Wish You Were Here”, Delta Goodrem; e “Chains”, Nick Jonas) que relata um relacionamento altamente conturbado e abusivo, a gravação já ultrapassou as 230 milhões de visualizações no YouTube e é eficientemente encerrada com o telefone para contato do “National Domestic Violence Hotline”, o disk-denúncia para violência doméstica dos EUA (assista).

“Ruin”, o primeiro single promocional do lançamento, também chegou a ganhar um clipe. Assista

Disponível para compra desde o dia 23 de setembro, “Illuminate” foi gravado entre os anos de 2015 e 2016. Predominantemente pop, o álbum abraça a vertente mais acústica que é própria de Shawn e pouco se distancia do que pudemos conhecer em sua primeira experiência pelos estúdios de gravação. Distribuído sob os selos da “Island Records” e “Universal Music Group”, além de “Treat You Better” (o único single oficial anunciado até o fechamento deste post) também foram liberadas anteriormente (mas como faixas promocionais) as bem emotivas “Ruin”, “Three Empty Words” e “Mercy”. Conseguindo seu segundo #1 na “Billboard 200”, o novo material do moço estreou direto no topo dos charts norte-americanos, com vendas de 145 mil cópias na primeira semana. Segundo a própria “Billboard”, apenas 5 artistas (incluindo Shawn) conseguiram emplacar seus dois primeiros álbuns #1s em tão pouca idade – Justin Bieber (com 17 anos), Miley Cyrus (com 14 anos), Hilary Duff (também com 14 anos) e LeAnn Rimes (com 15 anos).

Contendo 12 canções na edição standard e 15 na deluxe, Mendes assina todas as músicas presentes no disco e divide os créditos de composição com Geoff Warburton (-), Scott Harris (“Life of the Party”, “Something Big”), Teddy Geiger (“Stitches”), Danny Parker (“Chains”, Nick Jonas), Ilsey Juber (“Man on the Moon”, Britney Spears), Laleh (“Stone Cold”, Demi Lovato) entre outros. Já o trabalho de produção, por sua vez, acabou por ficar sabiamente sob a responsabilidade de ninguém menos que Jake Gosling (“Thinking Out Loud”, Ed Sheeran), Dan Romer (“Say Something”, A Great Big World com Christina Aguilera), DJ “Daylight” Kyriakides (-) e os já mencionados Geiger e Harris.

“Illuminate” foi majoritariamente bem-recebido pela crítica especializada (3,5/5 pelo “AllMusic”, “Idolator” e “Rolling Stone”)

Completamente uniforme, “Illuminate” não foge muito da temática trabalhada pelo disco antecessor e, como dito acima, foca bastante em uma roupagem mais acústica – um som que, felizmente, casa muito bem na doce (e por vezes imperiosa) voz de seu intérprete. Trazendo as vulneráveis “Ruin”, “Don’t Be a Fool”, “Like This” e “Bad Reputation”, são nestas faixas que encontramos, logo de cara, o gigantesco amadurecimento que Shawn passou em tão pouco tempo, ainda mais se considerarmos que este é apenas o segundo material de seu catálogo. Distanciando-se muito da tendência mais adolescente que pudemos conferir em canções como “Something Big” e “Believe”, esta pequena parcela do sucessor de “Handwritten” nos soa bem promissora e, provavelmente, influenciará em muito os próximos trabalhos de estúdio do moço.

Assista ao emocionante clipe para a promocional “Mercy”

E como não poderia deixar de ser, é claro que o “Illuminate” não erraria tão feio a ponto de não incluir, ao menos, uma gravação ou outra sem pender para um som mais comercial. Nesse sentido encontramos o lead single “Treat You Better” – que, como dito acima, se assemelha em muito à estrutura musical de “Stitches” –, e a possível candidata para próximo single “No Promises” (isso ao nosso ver, é claro, pois nada foi confirmado pela equipe de Mendes até o momento). Com um instrumental não menos que original e viciante, o único defeito deste hino incomparável é sua duração nem alcançar os comuns 3 minutos, o tempo padrão da maioria das músicas liberadas pelos artistas do mainstream (“No Promises” é a mais curta da tracklist, com 2 minutos e 46 segundos, seguida de “Patience”, com 2 minutos e 55 segundos).

Mendes e sua equipe já preparam a “Illuminate World Tour”, a terceira turnê do canadense prevista para começar em março de 2017, nas Filipinas

Intercalando entre suavidade e animação, “Three Empty Words” abre o arco mais positivo de “Illuminate” – o qual é, nos moldes de “Handwritten”, composto também pelas cativantes “Lights On”, “Honest” e “Patience” (estas foram certamente gravadas para todos aqueles que tanto gostaram do debut do canadense e muito torceram por uma segunda parte). Muito bem posicionadas no álbum, as canções amarram-se firmemente umas às outras e nos redirecionam para o segmento final que encerra o disco com chave de ouro. Ao som de “Understand”, a última faixa da edição standard explora muito bem a vulnerabilidade a que fomos introduzidos no início da tracklist, por “Ruin” – mas, desta vez, de forma bem menos obscura. Repleta de uma vivacidade resplandecente, assim também prosseguem as duas bônus da edição deluxe: “Hold On” e “Roses”, que não apenas dão uma conclusão para a sua antecessora (“Understand”) como ganham vida própria e brilham por uma singularidade própria.

Entretanto, não poderíamos concluir a nossa resenha se deixássemos de mencionar o que é, aos nossos olhos, não apenas a melhor canção do “Illuminate”, como também a que melhor define o projeto como um todo. Composta pelo Shawn ao lado de Teddy Geiger, Danny Parker e Ilsey Juber (e produzida por Gosling e Geiger), “Mercy” transborda em nossos ouvidos desde sua primeira audição e revela-se uma das maiores músicas do ano. Carregando uma intensidade que não cabe dentro de si e explode em um ápice de muita sensibilidade, o single promocional mistura drama com naturalidade sem parecer forçado, soando até mesmo comercial na medida certa. Trazendo uma letra bastante expressiva, os seus versos inesquecíveis funcionam bem tanto na versão padrão (presente na edição standard) quanto na versão acústica (exclusiva para aqueles que adquirirem a deluxe).

Crescendo sem perder o rumo da identidade que vem lapidando em tão pouco tempo, por diversas vezes Shawn nos faz relembrar, em seu “Illuminate”, do trabalho primoroso que foi feito no “Handwritten”. Recheado de produções simplistas que realçam o melhor da voz, carisma e composições de Mendes, o novo álbum amadurece consideravelmente sem pôr um ponto final ao que já conhecíamos desde o lançamento do primeiro single “Life of the Party”, lá de 2014. Sem mudanças bruscas ou radicais de imagem, o novato parece se encontrar no caminho certo para a longevidade de sua carreira, mostrando que, por mais que continue dominando os charts, o vem fazendo da maneira mais saudável possível (para si e para o público). E assim torcemos para que o pequeno-grande Shawn continue ao longo dos próximos anos, conquistando-nos com uma honestidade sem fins que tem tudo para elevar seu nome cada vez mais alto.

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Lady Gaga retorna cheia de atitude em “Perfect Illusion”, o seu novo hit que em nada nos ilude

Pois é, pessoal, quem é vivo sempre aparece! Após passarmos quase um ano sem qualquer novidade (considerando, é claro, que “Til It Happens to You” foi liberada em setembro do ano passado), Lady Gaga finalmente decidiu pôr um fim ao hiato de sua carreira musical e protagonizou um dos maiores comebacks de 2016 nesta última sexta-feira, dia 9. Despedindo-se da era jazz que tanto marcou sua trajetória – quando do lançamento de “Cheek to Cheek” (2014), álbum que gravou em parceria com o Tony Bennett –, a novata mais querida da década passada cedeu aos pedidos de populares e liberou, na íntegra, o novo carro-chefe de seu 5º disco de estúdio (o primeiro lançamento pop desde “ARTPOP”, de 2013). Nomeada “Perfect Illusion”, a canção causou o maior burburinho pelos seis continentes e, hoje, ilustra a nossa publicação do dia.

Desde que o sucessor de “Born This Way” (2011) teve sua divulgação encerrada com “G.U.Y.”, em março de 2014, e a norte-americana redirecionou toda sua atenção para projetos paralelos como a série “American Horror Story: Hotel”, muito se falou (e cogitou) sobre o que seria produzido pela moça em um futuro não muito distante. Vencendo categorias importantes no “Grammy Awards” e no “Globo de Ouro”, Lady Gaga não poderia estar na fase mais positiva de sua carreira após a recente perseguição sofrida pelos tabloides e haters que tanto pegaram em seu pé após o desempenho morno de seu último material de inéditas. Deixando as críticas negativas de lado e unindo suas forças a outros profissionais de respeito da indústria fonográfica, nascia o que seria um novo começo para uma das artistas mais multifacetadas de nossa geração.

Comparecendo à rádio britânica “BBC1”, Lady Gaga não perdeu a oportunidade e nos agraciou com um trechinho ao vivo de “Perfect Illusion” que pode ser conferido neste link

Gravado nos estúdios “Shangri La”, localizado em Malibu, Califórnia, o lead-single do “LG5” permanece sob a supervisão e distribuição da “Interscope Records”, selo que administra a carreira da cantora desde a sua estreia, com o “The Fame” (2008). Composta e produzida pela própria Gaga em parceria com Kevin Parker (vocalista da banda Tame Impala), Mark Ronson (“Rehab”, Amy Winehouse) e BloodPop (“Better”, Britney Spears; “Sorry”, Justin Bieber), “Perfect Illusion” orienta-se tanto pelo pop quanto pelo disco-rock, gêneros que deverão se mostrar bastante presentes nesta nova era que acaba de içar velas. Majoritariamente aclamada pelos fãs e pela crítica especializada, a canção recebeu inúmeros elogios por sua produção singular e pelos expressivos vocais da musicista que jamais estiveram tão crus (leia-se desprovidos de auto-tune) em um trabalho dirigido ao público mainstream. Nos charts, atingiu o #1 no iTunes de mais de 60 países (a “Billboard” ainda não divulgou os seus números oficiais).

Despindo-se de todo o glamour que tanto marcou presença em seus lançamentos principais, a nascida Stefani Germanotta reaproveitou os resultados da “limpeza de imagem” conduzida por suas aventuras pelo jazz e surge, agora, mais descontraída do que nunca. Aposentando (pelo menos por ora) as roupas extravagantes que tanto galgaram sua carreira há não menos que 7 anos, a própria capa de “Perfect Illusion” revela-se um perfeito tapa na cara de todos aqueles que jamais imaginaram ver a nova-iorquina em modelitos “consideradas normais” – se bem que, em se tratando de Gaga, qualquer figurino feito de tecido, e não carne, pode ser considerado normal. Usando uma camiseta preta básica, shorts jeans e coturnos escuros, a moça tem sido fotografada em todos os cantos assim, bem menos produzida e com um visual digno de uma verdadeira estrela do rock. E já que estamos falando em rock…

Relembrando os velhos tempos experimentais de artista iniciante – lá por volta de 2007, quando se apresentava em concertos menores ao lado de Lady Starlight –, a “Mother Monster” decidiu mais uma vez repaginar a sonoridade de suas músicas e, deixando o pop para segundo plano (mas sem esquecê-lo), trouxe uma significativa influência rock para o lead-single de seu próximo álbum. Já nos introduzindo a batidas insanas que poderiam muito bem pertencer a qualquer trabalho de uma banda dos anos 80 ou 90, Gaga não economizou na criatividade e foi completamente feliz ao convidar Parker, Ronson e BloodPop para extrair do quarteto uma das canções mais surpreendentes do ano. Distanciando-se do pop mais mainstream que Britney Spears e Gwen Stefani priorizaram em seus últimos discos e do R&B tradicional que Beyoncé vem reaproveitando desde 2013, “Perfect Illusion” dá um tiro no escuro e, repleta de coragem, reafirma a posição de sua intérprete como uma criadora de tendências, e não seguidora (diferente do genérico “ARTPOP” que tanto pecou pela falta de originalidade).

Em apenas quatro dias o áudio oficial de “Perfect Illusion” ultrapassou 10 milhões de visualizações no YouTube (imagine quando o clipe for liberado?)

Exibindo vocais poderosos que se revezam com trechos que são narrados de maneira suave e provocante (similares aos das eras “The Fame” e “The Fame Monster”), por todo seu catálogo a vocalista jamais esteve tão à vontade com seu timbre natural de voz (até mesmo em comparação às inesquecíveis “Bad Romance”, “Born This Way” e “Yoü And I” – que, como já é sabido, também apostaram no vozeirão que é característico da moça). Falando sobre as desilusões no amor, a música encaixa melodia a instrumental de forma bastante confortável  ao longo de seus três minutos e dois segundos de duração e surpreende em muito o ouvinte que jamais parara para reparar no quão multifacetada Gaga consegue soar – uma artista que consegue se dar bem em qualquer gênero que embale os seus singles, desde o eletrônico para o jazz, pop e, agora, disco-rock (cantar, definitivamente, é o seu maior talento). Reproduzindo um comentário humorístico que foi feito na internet, mas que, resguardadas as devidas proporções, até que chega a fazer algum sentido… “não bastasse salvar o pop, ela também voltou para salvar o rock”.

Sobre o novo álbum:

Já nos adiantando que o “LG5” (ainda sem nome definitivo) “está quase pronto”, a loira revelou em recente entrevista à “BBC1” que “trabalhou com o Mark Ronson por todo o CD”, sendo que o ex-parceiro musical de Amy Winehouse também será creditado como produtor executivo – fãs de RedOne, acalmem-se, pois o popular hitmaker também já foi confirmado como produtor em uma das futuras faixas. Contendo, ainda, uma parceria com a Florence Welch (a vocalista do Florence + the Machine, a quem Gaga foi só elogios), o sucessor de “Cheek to Cheek” será lançado ainda neste ano. Sobre o atual single de trabalho, a cantora acrescentou que “‘Perfect Illusion’ fala sobre as coisas falsas que parecem ser reais do nosso dia a dia, como nas redes sociais, por exemplo” – você confere muitas outras informações sobre o processo criativo da música acessando este link.

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